{{l10n_strings.DRAG_TEXT_HELP}}

{{article.content_lang.display}}

{{l10n_strings.AUTHOR_TOOLTIP_TEXT}}

Художник использует миллионы точек для создания сложных рисунков пером

Есть бесчисленное множество способов создавать искусство, и результаты сильно различаются в зависимости от техники.Кайл Леонард (также известный как К.А.Л.) — художник из Калифорнии, владеющий уникальным методом рисования захватывающих дух рисунков пером. Леонард использует миллионы точек для создания рисунков, которые он завершает.

Сложный процесс Леонарда, или, как он его называет, «метод безумия», известен как пуантилизм. Все эти утомительные точки окупаются, когда вы видите конечный продукт — высокодетализированный шедевр с уникальным фотографическим качеством, в отличие от традиционных рисунков пером.

Леонард часто использует два или три элемента в одном рисунке, все из которых объединяются, чтобы создать одну сюрреалистическую сцену.Например, дерево никогда не бывает просто деревом, вместо этого оно может быть окружено крошечными зданиями. Независимо от рисунка, вся работа Леонарда объединяется, чтобы создать историю, которая интригует и восхищает.

Художник, стоящий за точками, черпает вдохновение в мире природы, а также в политике, особенно в политике, влияющей на отношение к окружающей среде. Он также «вдохновлен многими разными художниками, такими как Эшер, Геккель, и уличными артистами, такими как Алексис Диаз и флегм».

Леонард сказал: «Я рисую каждый день как творческий выход, и из-за его медитативного качества… я трачу от 6 до 100 часов на каждую часть, в зависимости от размера и сложности.Мой основной метод рисования — пунктирная, но я также использую штриховку ».

«Создавайте то, что вам нравится создавать, а не то, что, по вашему мнению, оценят другие».

«Я трачу от 6 до 100 часов на каждую деталь в зависимости от размера и сложности».

«Никто не рождается удивительным художником. Они созданы годами практики и терпения ».

Вы можете приобрести рисунки пером Кайла Леонарда в виде принтов, больших сумок и т. Д. В его магазине Society6.

Фото: kyleonard.ком, Instagram, Society6, Deviantart

Далее: художник создает красочные мандалы, раскрашивая камни океана тысячами крошечных точек

Кто такой Яёи Кусама? — Кто они?

Яёи Кусама, Уходящая зима 2005, Фото: © Джеймс Дэвин, любезно предоставлено галереей Виктории Миро, Лондон © Яёи Кусама

Кто она?

Яёи Кусама — японская художница, которую иногда называют «принцессой в горошек». Хотя она создает множество разных видов искусства — картины, скульптуры, перформансы и инсталляции — у них есть одна общая черта — ТОЧКИ!

Что за точки?

Яёи Кусама рассказывает историю о том, как, когда она была маленькой девочкой, у нее случилась галлюцинация, которая испугала ее. Она была в поле цветов, когда все заговорили с ней! Головки цветов были похожи на точки, которые продолжались, насколько она могла видеть, и ей казалось, что она исчезает или, как она называет это, «самоуничтожается» — в этом поле бесконечных точек.Этот странный опыт повлиял на большинство ее последующих работ.

Добавляя сплошные отметки и точки на свои картины, рисунки, предметы и одежду, она чувствует, как будто она заставляет их (и себя) раствориться в большей вселенной и стать ее частью. Она сказала:

«Наша Земля — ​​лишь одна точка в горошек среди миллиона звезд в космосе. Горошек — это путь в бесконечность. Когда мы стираем природу и свое тело с помощью горошек, мы становимся частью единства нашей окружающей среды ».

© Яёи Кусама / Yayoi Kusama Studio, Inc, любезно предоставлено Castellane Gallery, Нью-Йорк

Yayoi Kusama Studio Зеркальная комната Infinity — наполненная блеском жизни 2011 © Yayoi Kusama / Yayoi Kusama Studio, Inc

Она также создает среду из точек, чтобы мы тоже могли испытать это чувство самоуничтожения.Она называет эти комнаты своими «Бесконечными комнатами» и создает их, устанавливая сотни мигающих цветных светодиодных фонарей в зеркальные комнаты. Точечные уколы света в темной комнате бесконечно отражаются в зеркалах, заставляя вас чувствовать себя так, как будто вы находитесь в явно бесконечном пространстве. Точки окружают и поглощают вас … очень трудно сказать, где вы заканчиваете, а где начинается остальная часть комнаты!

С чего она началась?

Яёи родилась в Японии в 1929 году. Она любила рисовать и рисовать, и хотя ее родители не хотели, чтобы она была художницей, она была настроена решительно.Когда мама порвала ее рисунки, она сделала еще больше. Когда у нее не было средств на покупку художественных материалов, она использовала грязь и старые мешки для изготовления произведений искусства. Это рисунок своей мамы, который она сделала, когда ей было 10 лет.

Яёи Кусама, Без названия 1939 , Бумага, карандаш, 25 × 22 см

В конце концов Яёи Кусама убедила своих родителей отпустить ее в художественную школу и учиться рисованию.

В конце 1950-х она переехала в Нью-Йорк, так как там, казалось, творилось много интереснейшего искусства. Должно быть, было немного страшно приехать в большой город с такой культурой, отличной от той, которую она знала. Но она была полна решимости покорить Нью-Йорк. Позже она писала о своем дерзком отношении: «Я бы противостояла им всем одним горошком».

Яёи Кусама, лежащий на основании «Моей клумбы» 1962 в Нью-Йорке, ок.1965 © Яёи Кусама / Студия Яёи Кусама, Inc.

В 1959 году она провела там первую из многих выставок. Она познакомилась и вдохновила известных художников, включая Дональда Джадда, Энди Уорхола и Джозефа Корнелла, и ее искусство было частью захватывающих художественных достижений, таких как поп-арт и минимализм. Она также была одной из первых художников, которые экспериментировали с перформансом и боевиком.

Яёи Кусама не только пионер искусства, но и вложила свои творческие способности в другие области, включая музыку, дизайн, письмо и моду.

В основе искусства аборигенов

Точечная живопись сегодня признана во всем мире как уникальная и неотъемлемая часть искусства австралийских аборигенов.

Простой точечный стиль, а также перекрестная штриховка могут быть красивы для глаза, но имеют гораздо более скрытый смысл и более глубокую цель; чтобы замаскировать священный смысл историй на картинах.

До того, как искусство коренных австралийцев было когда-либо помещено на холст, аборигены шлифовали землю, чтобы рисовать священные рисунки, относящиеся к этой конкретной церемонии.

Также была нанесена краска для тела, которая имела значение, связанное со священными ритуалами. Эти рисунки были обведены кружками и обведены точками.

Непосвященные люди никогда не увидели эти священные узоры, так как почва снова была сглажена, а раскрашенные тела омыты. Это было невозможно с картинами.

Художники-аборигены абстрагировали свои картины, чтобы замаскировать священные узоры, чтобы жители Запада не могли понять их истинный смысл.

Точечная живопись зародилась 40 лет назад, в 1971 году. Джеффри Бардон был назначен учителем рисования для детей аборигенов в Папунии, недалеко от Алис-Спрингс. Он заметил, что пока мужчины-аборигены рассказывали истории, они рисовали символы на песке.

Бардон призвал своих учеников нарисовать на школьных стенах фрески, основанные на традиционных сновидениях. Фрески вызвали невероятный интерес в обществе.Он побуждал их рисовать истории на холсте и доске. Вскоре многие мужчины начали рисовать.

Сначала использовали картон или куски дерева, которые позже заменили холстом.

Так зародилось знаменитое художественное движение Папуня Тула.

Бардон помог художникам-аборигенам перенести изображения своих историй с песка пустыни на холст.

Художники-аборигены вскоре забеспокоились, что священно-секретные предметы, которые они рисовали, видели не только жители Запада, но и аборигены из разных регионов, которые не были причастны к своим племенным историям.

Они не хотели, чтобы они понимали или изучали священные, ограниченные части своих историй, поэтому художники решили удалить священные элементы и абстрагировать рисунки в точки, чтобы скрыть их священное значение.

На ранних рисунках папунии четко изображены артефакты, ритуальные предметы и духовные церемонии. Этот стиль исчез через несколько лет.

Первые картины Тульской школы художников Папуни не предназначались для продажи.Они были созданы исключительно аборигенами, которые были перемещены и жили далеко от своей родной страны.

Работы были визуальным напоминанием о собственном бытии. Они нарисовали землю, которой принадлежали, и истории, связанные с этими местами. По сути, они рисовали свою идентичность на досках, как визуальное подтверждение своей идентичности и происхождения.

Первоначально цвета были ограничены вариациями красного, желтого, черного и белого цветов, полученных из охры, древесного угля и трубочной глины.Позже были введены акриловые среды, позволяющие создавать более яркие красочные картины.

На этих произведениях искусства могут быть изображены точки, перекрестная штриховка, карты кругов, спиралей, линий и штрихов, что является давно установившимся изобразительным языком аборигенов Западной пустыни.

Картины аборигенов, написанные акрилом, представляют собой прекрасное сочетание традиционного и современного. Точечная техника придает картине почти трехмерный эффект и дает ощущение движения и ритма.

Многие отмечают, что картины выглядят живыми и буквально словно прыгают на вас. Плоский холст оживает с энергией и бодростью, как и вдохновляющие их мечты и ритуалы.

Пять точек — материал чертежа

Гвидо Бельтрамини

Далекое прошлое было далеким и блеклым. Оригинальных предметов и документов, которые можно было бы использовать для его изучения, мало. Они часто отказываются сотрудничать и в большинстве случаев не говорят правды, потому что на протяжении веков их переосмысляли «победители» истории. Мы всегда должны помнить, что мы не изучаем исторические объекты и документы в поисках решений для настоящего, а, скорее, чтобы показать, как далеко настоящее от прошлого.Таким образом, практика историка — это постоянное измерение расстояния. История не говорит нам, кто мы такие, а скорее говорит о том, что мы из себя представляем , а не . Он говорит нам, каким образом данное переживание пространства может соответствовать данному переживанию мира, данным социальным практикам и важной, хотя и неявной, данной метафизике. Что действительно делает история, так это проливает свет на уклады и глубокие структуры, формирующие жизнь людей и обществ в прошлом. Таким образом, мы можем понять почти как отдачу, что наше восприятие мира — это не , а опыта мира, а , одно переживание этого мира.Это результат переплетения мыслей, интуиции и предрассудков, и задача критического мышления (и, возможно, также критической архитектуры) состоит в том, чтобы исследовать их. Историки архитектуры исследуют отношения между пространствами, зданиями, городской геометрией и реальными социальными практиками и, следовательно, формы жизни, осадкой которых являются эти пространства, эти здания и эти геометрические формы.

Как и многие историки его поколения, Манфредо Тафури (1935–1994) на протяжении всей своей жизни размышлял о Модерне, о концепции архитектуры как об освобождении и преобразовании мира. В значительной степени архитектурное мышление 20-го века считало, что эпоха модерна началась с промышленной революции или, в лучшем случае, с эпохи Просвещения. С другой стороны, интерес Тафури к эпохе Возрождения также проистекает из его убежденности в том, что это начало современной эпохи. Он видел в эпоху Возрождения появление и рост субъективности. Это была эпоха проекта, организованного пространства, разработанного с точки зрения отдельного актера. Поэтому я хотел бы посвятить эту статью Манфредо Тафури, 40 лет спустя после публикации La sfera e il labirinto (Турин, 1980; пер.как Сфера и лабиринт: авангард и архитектура от Пиранези до 1970-х годов , Массачусетс 1987), что ознаменовало его новый этап исследований, сфокусированных на эпохе Возрождения (и начале 15-летнего периода, когда я узнал его и стал ученым, работающим рядом с ним).

Иногда по счастливой случайности «говорящие предметы» выбрасываются на берег настоящего, уцелевшие после крупных кораблекрушений в далеком прошлом. В данном случае объект представляет собой лист бумаги (690 x 472 мм), известный как Uffizi A20.Это важно, потому что Донато Браманте рисовал на нем несколько месяцев в 1506 году. Мы знаем, что Браманте сделал бесчисленное количество рисунков для своего проекта базилики Святого Петра в Риме. Почти все они утеряны, но этот сохранился, что особенно хорошо, потому что он записал на этом листе новые идеи, различные изобретения, которые постепенно появлялись в течение нескольких месяцев проектирования. Иногда после того, как идея обретала форму, Браманте развивал ее дальше на других листах, но потом всегда возвращался к этому листу.Это был его бортовой журнал в совершенно особенном путешествии.

Проблема с «говорящими объектами» заключается в том, что часто, если бы мы предоставили это им, они оставались бы немыми. Поэтому наша задача — дать им право голоса. В этом случае я попытался деконструировать рисунок, используя Photoshop, чтобы пройти через последовательные слои и вернуться назад во времени, чтобы следовать за Браманте, пока он конструировал.

Он начинает с того, что рисует линейкой (или, как я полагаю, заставляя кого-нибудь рисовать) ортогональную сетку квадратов с 3.Стороны 7 мм. Сетка имеет очень тонкие линии, выполненные пером и бледными чернилами сепии. Длина 60 квадратов сетки составляет 223,4 мм, то есть эквивалент одной римской palmo , которую на самом деле раньше делили на 60 minuti (минут) . Таким образом, Bramante изначально создал «минутную бумагу» (например, миллиметровую миллиметровую бумагу), а затем сделал каждый квадрат эквивалентом 5 palmi .

Проектирование на миллиметровой бумаге не было чем-то новым (в своем «Трактате об архитектуре » Филарете рекомендовал использовать его для проектирования собора идеального города Сфорзинда).Что действительно новаторски, так это то, что Браманте использует совершенно новую среду для архитекторов: красный мел, также называемый сангиной, красноземный пигмент и вариант гематита, который использовался древними египтянами и римлянами в настенных росписях. Все известные рисунки архитекторов от Средневековья до времен Браманте — от Палаццо Санседони в Сиене (1340 г.) до Ванн Альберти в середине 15 века — были выполнены пером и чернилами. Графит был открыт только во второй половине 16 века, и именно виртуоз Борромини ввел его в архитектурный дизайн.До Браманте архитектура рисовалась пером и тушью. Он узнал о потенциале красного мела от Леонардо да Винчи, который использовал его для достижения более плавных переходов между тенями. Таким образом, Браманте пользовался беспрецедентной свободой оставлять свой след; не было необходимости в прерывании, как когда перо нужно было окунуть в чернила. Вскоре мы увидим, почему эта текучесть была так важна для него.

Первое, что Браманте нарисовал на сетке, — это обзор плана существующей пятинефной базилики, построенной в первые десятилетия четвертого века императором Константином и папой Сильвестром I над могилой Святого Петра.Он также составил обзор плана большого хора, который архитектор Бернардо Росселлино построил в паре метров над землей между 1452 и 1455 годами для Папы Николая V, в первой неудачной попытке расширить базилику.

Едва различимый набросок, сделанный на оборотной стороне нашего листа, показывает намерение Браманте: он хотел покрыть новую церковь большим куполом. На этом первом этапе он планировал снести не нефы Константиновской базилики, а только трансепт. Фактически, он думал просто расширить массивные стены хора Росселлино, спроектировав новый трансепт вокруг того, который будет снесен. ^{Новый купол может выходить за центр. Но он столкнулся с двумя проблемами: во-первых, половину купола должны были поддерживать старые колонны Константиновской базилики, которые были недостаточно прочными; во-вторых, ширина купола могла быть не более 27 метров, по сравнению с 45-метровыми куполами Санта-Мария-дель-Фьоре и Пантеон Брунеллески.}

В этот момент Браманте нарисовал пять отметок красным мелом, почти точками, там, где заканчивался правый неф: каждая отметка была сделана через каждые два квадрата сетки, что означает, что они постепенно увеличивали радиус купола на 10, 20, 30 и 40 palmi с общим диаметром до 45 метров.Огромному новому куполу теперь требовалась колонна, способная выдержать его удар. Браманте нарисовал его, одновременно представив себе купола поменьше по бокам, в соответствии с византийской схемой квинконса. Затем он работал над другими версиями колонны в более поздних вариантах, которые можно прочитать здесь по часовой стрелке a – d.

Почему все это так важно? Потому что это показывает, как Браманте пришел к диагональному сечению столбов. Это решение не только лучше подходит для поддержки упора купола, но также придает плавность и динамизм пространствам церкви. Более того, разрезая столб по диагонали, Браманте привносит важный элемент субъективности, свободы воли: насколько далеко и каким образом его разрезать, это не вопрос заранее определенных геометрических форм, а вопрос статических требований и, что наиболее важно, выразительные потребности архитектора.Базилика Брунеллески задумана как сумма заранее определенных кубических модулей, связанных друг с другом простыми геометрическими соотношениями как в плане, так и в плане. Перспектива — это метод, который он использовал для управления этим математическим и гармоничным пространством элементарных тел.

Но Браманте представляет новую модальность взаимоотношений между пространствами и структурами, между пустотами и твердыми телами, и он больше сосредотачивается на пустотах, чем на твердых телах.

Форма столба определяется не абстрактной математикой, а формой пространства, которое он хотел создать: столб — это остаток, оставшийся после проектирования пустоты, и именно поэтому он имеет форму, никогда ранее не встречавшуюся в геометрии. .Чтобы построить его, Браманте вернулся к древнеримской технике строительства с использованием своего рода предка бетона, пуццолана , отлитого в виде жидкости в формы. Чтобы нарисовать колонну, Браманте нужна была сетка с очень маленькой сеткой, которая создавала непрерывную топографию, по которой линия, нарисованная красным мелом, могла плавно перемещаться непрерывным, но измеримым жестом в любое время.

Лист бумаги больше не является тем местом, где предвзятая ментальная идея выходит из головы архитектора и становится графической.Это целая территория, где можно исследовать разные возможности. Построенное в результате этого процесса здание больше не является мысленным образом, а представляет собой визуальный опыт. Как писал Джеймс Акерман: «Интерьер собора Святого Петра вдохновляет чисто чувственное наслаждение видением. Философский импульс архитектуры 15 века стал чувственным ».

И мы можем проследить все это до немногим более пяти точек на одном из немногих сохранившихся рисунков Браманте.

Являются ли точечные рисунки традиционным искусством аборигенов?

Точечные рисунки повсюду

Точечные рисунки аборигенов повсюду. Зайдите в любую художественную галерею аборигенов, и вы их найдете.

Стиль точечной росписи используется для картин, ваз, футболок, камней, магнитов на холодильник — всего, что люди купят.

Неудивительно, что вы верите, что точки являются доминирующим и традиционным стилем искусства аборигенов.

Но действительно ли точечная живопись является традиционным искусством аборигенов?

Вы будете удивлены, узнав, что точечной живописи на холсте появилось в центральной Австралии в начале 1970-х годов в результате совместной работы аборигенов с белым учителем школы искусств Джеффри Бардоном.

Художественное движение Папунья Тула

Карта : Центральная община аборигенов Папунии расположена примерно в 240 км к северо-западу от Алис-Спрингс на Северной территории.

Бардон был назначен учителем рисования для детей в общину Папунья в 1971 году. Папунья тогда представлял собой искусственное сообщество из 2500 аборигенов, ассимилированных из пустыни.

Бардон призвал своих учеников нарисовать на школьных стенах фрески, основанные на традиционных сновидениях.Фрески вызвали огромный интерес в сообществе, и вскоре многие начали рисовать, вначале только мужчин, потому что некоторые из картин изображали тайные, священные вещи, связанные с ритуалами и церемониями, которые не были доступны женщинам, детям и непосвященным молодым людям.

По мере того, как их репутация росла и их работы распространились по всей Австралии и за ее пределами, художники Папунии стали более осторожными в том, что они изображают, удаляя чувствительные элементы или маскируя их слоями краски и точек. Некоторые считают, что это наслоение значений является сутью живописи Папуньи, а не просто точечным стилем.

Художники сначала использовали картон или куски дерева, которые позже заменили холстом.

В 1972 году художники основали свою собственную компанию, Papunya Tula Artists Pty Ltd. Их работы положили начало художественному движению Западной пустыни. теперь международно признанный как « одно из самых важных событий в истории австралийского искусства ».

Компания полностью принадлежит и управляется традиционными аборигенами, в основном из языковых групп луритжа / пинтуби. В 2011 году он насчитывал 49 акционеров и представлял 120 художников. Художники Лонг Джек Филлипус Тьякамарра и Ронни Тьямпитжинпа были среди учредителей.

Сегодня община известна как Тульская школа художников Папунии и является домом для около 150 художников-аборигенов.

Папуня Тула теперь собирает деньги, например, для финансирования новой службы диализа.Но это также и социальный центр, который способствует благополучию его часто очень высокопоставленных артистов.

«[Живопись] — это не просто профессия, это общественная деятельность», — говорит Пол Суини, генеральный директор Papunya Tula Arts. «Дамы собираются вместе, болтают и говорят о мужчинах, вероятно, и сплетничают, я полагаю, и это то, о чем все центры искусства. Это центр, это общественный центр, где люди собираются вместе и делают то, что они делают, а также дети и ребята [ родственники] проходят через это, и это хорошо, потому что все они разделяют атмосферу арт-центра, смотрят, учатся и все это принимают.»

Альберт Наматжира написал свои последние работы в Папунии перед своей смертью в 1959 году; а также это место, откуда родом рок-группа 1980-х годов Warumpi Band.

Как появился стиль точечной живописи

Бардон помог художникам-аборигенам передать изображения их рассказы от песка пустыни до рисования на холсте. Вскоре они поняли, что священно-секретные предметы, которые они рисовали, видели не только европейцы, но и родственные им аборигены, которые могли их оскорбить.Художники решили убрать священные элементы и абстрагировать рисунки в точки, чтобы скрыть свои священные рисунки, которые они использовали на церемонии.

Во время церемоний аборигены очищали и разглаживали землю, чтобы затем наносить священные рисунки, относящиеся к этой конкретной церемонии. Эти рисунки были обведены танцующими кружками и часто окружены точками.

В ранние годы папунийской живописи все еще оставались четкие изображения артефактов, рисунков из песка и украшенных ритуальных предметов.Но через несколько лет этот стиль исчез.

Непосвященные люди никогда не видели эти священные узоры, так как почва снова сглаживалась, а раскрашенные тела омывались. Это было невозможно с картинами. Следовательно, художники-аборигены абстрагировались от священных рисунков, чтобы скрыть смысл, связанный с ними.

Некоторые картины многослойны, и хотя они, вероятно, кажутся бессмысленными для неаборигенов, точечные рисунки могут раскрыть гораздо больше для аборигенов, в зависимости от их уровня посвящения.

Первые картины Тульской школы художников Папуня не продавались. Менеджер Papunya Tula Artists, Пол Суини, объясняет, что они «были созданы людьми, которые были перемещены и проживали далеко от своей страны. Работы были визуальными репрезентациями их собственного существа. Они рисовали места, к которым они принадлежали, и рассказы о них. По сути, они рисовали свою личность на своих досках, как визуальное подтверждение того, кем они были и откуда они.»

Могу ли я использовать стиль точечной живописи?

Могут ли художники-не аборигены использовать стиль точечной живописи? Вы должны найти свой собственный ответ на этот вопрос, поскольку это может рассматриваться как культурное присвоение.

» Художники, не принадлежащие к коренным народам, которые работа с точками может работать без присвоения. Внутри точки можно создать целый мир. Художники всегда ссылались на других художников в своих работах, но присвоение становится проблемой, когда вы копируете чей-то стиль.